2 marzo 2015 — 17 abril 2015

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MICROFÍSICA DO DEBUXO

¿Es el dibujo un anacronismo dentro de la contemporaneidad artística? En MICROFÍSICA DO DEBUXO, NORMAL parte de esta pregunta para, en lugar de proponer una respuesta concluyente, trazar un recorrido promiscuo a través de trabajos artísticos en los que el dibujo funciona de formas considerablemente diferentes entre sí.

Culturalmente pesa sobre el dibujo el estigma de la técnica. Que este pertenece a un proceso de aprendizaje previo que conducirá al artista a la posterior producción de obras serias. Esta concepción, que obvia las extraordinarias capacidades del dibujo como medio artístico, poco puede aportar a la situación del dibujo dentro de las prácticas artísticas contemporáneas. Es más, retrocediendo en el tiempo, nos encontramos con que el dibujo siempre estuvo ahí, antes que la escritura, antes que la arquitectura incluso. No obstante, al decir dibujo, parece que enunciásemos un anacronismo dentro de una contemporaneidad del arte obsesionada con otros medios. Quizás lo que falla es esta concepción del dibujo que lo entiende y lo reduce a un trazo sobre el papel. En el arte, hay dibujo incluso cuando este no aparece en la sala de exposiciones. MICROFÍSICA DO DEBUXO es un proyecto que parte de una pregunta: ¿cuál es la situación del dibujo dentro de las prácticas artísticas contemporáneas? Y que, en vez de proponer una respuesta concluyente, traza un recorrido promiscuo e intuitivo a través de trabajos en que el dibujo, como medio, funciona de forma considerablemente diferente entre ellos. Su propio título se refiere a toda una red de factores que posibilitan, integran y entienden la noción de dibujo en un sentido muy amplio y que dista considerablemente de ser una “marca sobre papel”.

MICROFÍSICA DO DEBUXO se refiere a un medio que está permanentemente en el mundo, entre las cosas, en los cuerpos que dibujan y en los cuerpos que son dibujados. Y también una apología de una visualidad crítica dentro de un contexto cultural en que la palabra todavía conserva cierto privilegio cultural.

Comisariado: Sonia Fernández Pan

Álbum da inauguración de MICROFÍSICA DO DEBUXO en NORMAL.

7 OBRAS, 6 ARTISTAS

Aumentar el caudal de un río
Luz Broto
2014
Instalación medidas variables (fotografía color, lápiz sobre papel, albarán de entrega y display expositivo)
Cortesía de la artista

Proveniente de una intervención site­especific a través de la instalación permanente de una manguera de 200 metros oculta para desviar 40 l/h del canal de Seròs hacia el río Segre, este trabajo de Luz Broto provoca una acción directa sobre el territorio desde la precariedad furtiva y como respuesta a la repercusión de las grandes infraestructuras sobre lo concreto de un territorio.

Con una producción artística centrada en la acción que producen gestos aparentemente minúsculos, Luz Broto es una artista que trabaja desde la noción de lo efímero y desde la alteración de diversos elementos espaciales con el fin de producir sutiles modificaciones capaces de repercutir en el comportamiento de una audiencia que, en muchos casos, no entiende con facilidad, o en el momento, qué está sucediendo. En las antípodas del evento entendido desde la espectacularidad, los proyectos de Luz Broto confirman que la importancia del acontecimiento reside no tanto en lo que sucede sino en lo que podría llegar a suceder, en la potencialidad del gesto y no en las conclusiones anticipadas.

2 ­Catoptrophilia
David Ferrando Giraut
2013
Video animación 3D 12’14’
Cortesía del artista

Poniendo en relación dos objetos distantes en el tiempo, pero que comparten una misma finalidad (­reflejar y producir la imagen de los miembros de una élite social­), el espejo de Nefertiti y el Iphone 4 Elite, Catoptrophilia produce un encuentro ilusorio en que la accesoriedad del objeto se traslada al individuo que lo posee, un individuo que no siempre es consciente de los procesos de explotación que propicia la tecnología.

Con una obra que recupera desde la contemporaneidad aquel componente sublime del arte, el trabajo de David Ferrando Giraut utiliza el alto grado tecnológico que define a nuestra contemporaneidad para crear una experiencia estética que es también una estrategia de conocimiento. Aparecen en su producción tanto los grandes temas de la experiencia humana (la muerte, el deseo o la memoria) como las condiciones y condicionantes de nuestro sistema económico actual (la involución política, disminución de los recursos naturales, la representación de la realidad o la organización sociopolítica), consiguiendo trazar puentes históricos que cuestionan nociones tan problemáticas hoy en día como desarrollo y progreso.

#71
Martín Vitaliti
2012
Página original, impresión sobre papel (40 páginas), medidas variables
Cortesía del artista

A partir de una página específica del cómic La barca del MissouriW, de Hugo Pratt (extraída de Totem Extra. Especial western, n.o 20; Editorial Nueva Frontera, Madrid 1978), Martín Vitaliti imita la técnica de este dibujante para construir un paisaje que surge gracias a la incorporación de un movimiento cinematográfico como es el paneo a 360o dentro de la narrativa del cómic.

Con un uso del cómic que evidencia el propio medio desde diversas estrategias, el trabajo de Martín Vitaliti explora la capacidad narrativa y escultórica de un cómic que sale de su formato habitual (el libro) para invadir la realidad espacialmente. A eso habría que unir personajes que escapan de su viñeta original, viñetas que son protagonistas tras la sustracción de personajes, técnicas de borrado que hacen surgir nuevas historias sobre historias anteriores, repeticiones estratégicas a través del uso del colage, situaciones paradójicas y contradictorias que sólo pueden ser comprendidas visualmente, narraciones desde la singularidad de un elemento y trampantojos gráficos.

El espíritu del sigllo XX
Antonio Gagliano
2014
Dibujo digital, tres paneles de 70 × 100 cm
Cortesía del artista

Este proyecto, que deriva de un libro homónimo, parte de los documentos que contenían los libros de la biblioteca personal de Pepe Espaliú, depositada en Arteleku, donde padecería una serie de desbordamientos ideológicos y físicos. Ante la imposibilidad de digitalizar los antedichos documentos, Antonio Gagliano invierte la relación entre copia y original, usando la reproducción mimética como estrategia de liberación de contenidos.

Con una formación que parte de la práctica dibujística, la producción de Antonio Gagliano transciende lo que entendemos por dibujo para acercarse a la cartografía y a la configuración de mapas y dispositivos visuales orientados a poner en entredicho la supuesta linealidad de la historia. Frente a una estética do archivo, el trabajo de Gagliano usa el archivo como punto de partida para el rescate de documentos invisibles dentro de los relatos históricos hegemónicos y la configuración de mapas narrativos y visuales donde las anécdotas son tanto o más importantes que los grandes acontecimientos.

Desplegar los posibles
Françoise Vanneraud
2014
Volumen dibujado
Dibujo tinta china y grafito sobre papel. Papel plegado y montado sobre madera.
Cortesía de la galería Ponce+Robles y de la artista

The World is a Sculpture
Françoise Vanneraud
2014
Dibujo con tinta sobre papel, espuma de poliuretano, tornillos, madera de nogal negra.
Cortesía de la galería Ponce+Robles y de la artista

En ambas piezas, Françoise Vanneraud produce dibujos que, partiendo de lo bidimensional, adquieren una espacialidad escultórica gracias a una manipulación física que remite de forma poética a la presencia del ser humano sobre el paisaje. Una paisaje que puede funcionar de forma más abstracta (Desplegar los posibles) o como reminiscencia de un territorio concreto, la cordillera de los Alpes (The World is a Sculpture).

La noción de paisaje es un elemento central en la obra de Françoise Vanneraud, quien se sirve del dibujo a la hora de realizar un análisis del territorio con un alto componente poético. Pero el dibujo no es aquí un trazo bidimensional sobre el papel, sino una estrategia de acumulación que se acerca a la tridimensionalidad del mundo físico de los objetos. Paisaje, territorio, memoria y tiempo se unen en imágenes que son también un eco de lo que no aparece en ellas: la presencia del ser humano desde la huella, desde el gesto y no desde su incorporación explícita.

Work Table/ Game table no 2
Pedro Barateiro
2010
Estructura de metal, vidrio y lápices dorados de grafito
Cortesía de la Galería Filomena Soares y del artista

Este trabajo de Pedro Barateiro lanza interrogantes sobre la condición procesual de la creación artística. La mesa de trabajo, reconvertida en artefacto estético, es un vínculo de unión entre el espacio de creación y el espacio de exhibición. La condición invisible de ese proceso de investigación que sólo el artista conoce y que no siempre es obvio para el espectador, se inserta tangencialmente en el carácter objetual de la obra de arte. Con un trabajo que representa la condición posdisciplinar del artista contemporáneo, aquel que no está definido por ningún medio en concreto, Pedro Barateiro trabaja con imágenes provenientes de la cultura popular, documentos, objetos encontrados y textos literarios.

Teniendo en cuenta la importancia de todos estos materiales a la hora de configurar lo que entendemos por realidad, la práctica artística de Barateiro funciona como una estrategia de relectura que, en vez de descodificar toda esa información, la recodifica desde una experiencia estética que recoge conscientemente la herencia objetual del arte.

La entrada a la exposición es libre y gratuita.
El horario de la sala de exposiciones es de 11 a 22 horas, de lunes a viernes.